UN CHOCOLAT QUI SE DÉGUSTE

Il est des héros qui parfois tombent dans l’oubli. Le réalisateur Roschdy Zem permet aujourd’hui d’en faire ressurgir un du passé, en la personne du clown Chocolat, afin de lui rendre hommage et nous faire découvrir une histoire remarquable.

Inspiré d’un ouvrage biographique signé de l’historien Gérard Noiriel, le film s’ouvre à la Belle Époque au moment où Rafael Padilla, né esclave à Cuba et devenu le « roi nègre cannibale » d’un petit cirque de province, fait la rencontre de George Footit, célèbre clown blanc et acrobate mais en perte de vitesse, qui lui propose de former un duo comique. Le succès de leur numéro – inédit – les conduit rapidement à la capitale jusqu’au Nouveau Cirque parisien, où Chocolat voit sa vie basculer, entre célébrité, rencontre amoureuse et discriminations.

Du cirque au théâtre, de l’anonymat à la gloire, Roshdy Zem nous raconte avec grâce et finesse l’incroyable destin du clown Chocolat, premier artiste noir de la scène française. Sans trop dévoiler ce parcours exceptionnel, Chocolat nous fait passer du rire aux larmes, de la joie à la colère. Le scénario se focalise en fait surtout sur l’évolution de la relation qu’entretiennent les deux personnages complexes joués admirablement par Omar Sy et James Thierrée, sur la piste, bien entendu, mais aussi en dehors. L’amitié qui se tisse rapidement dans la mise en place du duo se retrouve mise à mal quand Chocolat réalise, au travers d’une tierce personne, qu’il sera tous les soirs le souffre-douleur, « le nègre à qui on botte les fesses », et qu’il veut s’émanciper et suivre sa propre voie artistique. S’ajoutent les tentations naturelles liées à l’argent, à la gloire subite…

C’est une histoire qui nous est racontée de la plus belle des manières. La photo est d’une grande élégance, nous permettant ainsi de plonger dans ce Paris de la Belle époque reconstitué avec allant l’atmosphère culturelle et artistique. La musique de l’immense Gabriel Yared est juste parfaite (un peu comme toujours avec lui). Et bien sûr, comment ne pas appuyer sur le remarquable jeu des acteurs dans leur totalité. Evidemment, Omar Sy et James Thierrée sont exceptionnels et collent incroyablement à leurs personnages touchants et torturés à la fois. Ce Chocolat semble être un parent éloigné d’Omar qui d’ailleurs, dans son parcours personnel à des points communs étonnant avec lui. Quand au petit fils de Chaplin, là aussi le choix devient une évidence et permet au grand public, qui ne l’aurait pas encore remarqué, de découvrir ce génie de la scène. Mais les seconds rôles sont aussi très forts avec des personnalités qui émergent constamment grâce aux comédiens et à la mise en scène : Delvaux (Frédéric Pierrot), Oller (Olivier Gourmet), Marie (Clotilde Hesme) et plusieurs enfants qui passent sur le chemin de Chocolat n’en sont que quelques exemples.

Un film d’une rare puissance émotionnelle qui fait beaucoup de bien dans la production cinématographique française et réussi le challenge de concilier œuvre populaire et film engagé. Car oui, il y du film d’auteur dans Chocolat et matière copieuse à réfléchir ou échanger.

 

> Pour rejoindre la réalité de Rafael Padilla, il est à noter que le clown Chocolat, contrairement à l’idée véhiculée, n’est pas enterré dans la fosse commune mais au cimetière protestant de Bordeaux. Une cérémonie officielle est organisée au cimetière protestant de Bordeaux en présence du pasteur Valérie Mali de l’Eglise protestante Unie,  des élus municipaux, de nombreuses associations citoyennes, culturelles et antiracistes, le samedi 6 février à 11h rue Judaïque.

 

CHANGEMENT DE CLIMAT À CANNES

Changement de climat à Cannes en ce troisième jour de Festival. Mais ne regardez pas vers le ciel, ou votre Miss Météo… c’est sur les écrans que ça se passe ! 

C’est en effet dans une ambiance plus stressante que cette journée commence. Cannes ouvre ses sélections (officielle et « Un certain regard ») à deux films qui nous transportent dans l’univers policier. Enlèvement, suspense, réseau pédophile pour Captive, un film canadien d’Atom Egoyan et l’adaptation d’un Siménon, la chambre bleue, pour le dernier Mathieu Almaric où une liaison adultère se transforme en double meurtres (ou pas…). Deux films rondement menés de façons très différentes et avec des conclusions très opposées.

 

Captives nous plonge au cœur d’une enquête où huit ans après la disparition de Cassandra, quelques indices troublants semblent indiquer qu’elle est toujours vivante. La police, ses parents et Cassandra elle-même, vont essayer d’élucider le mystère de sa disparition. L’histoire mélange alors ces moments de dénouement au récit même de l’histoire et au drame psychologique que vivent les deux parents. On découvre progressivement l’horreur des faits, la perversité innommable des personnes impliquées et les difficultés que rencontrent les enquêteurs.

On se laisse facilement prendre par l’histoire magnifiquement ficelée avec minutie par Atom Egoyan et surtout par le jeu remarquable de Ryan Reynolds. Intéressant, par ailleurs, de retrouver cet ex-super héro des productions hollywoodiennes dans le rôle de ce père de famille totalement laminé par la perte de sa fille, sans aucun supers pouvoirs en l’occurence mais n’abdiquant pourtant jamais. Et pour une fois, apprécions que les histoires ne finissent pas toujours mal (comme c’est désormais si souvent le cas sur les écrans), même si certaines « critiques » le préfèrent néanmoins et ont alors une fâcheuse tendance à conspuer ce qui redonne un peu d’espoir dans ce monde un peu trop souvent sombre.

Pour La chambre bleue, c’est avec l’enquête du juge d’instruction que nous suivons l’affaire : Un homme et une femme s’aiment en secret dans une chambre, se désirent, se veulent, se mordent même. Puis s’échangent quelques mots anodins après l’amour. Du moins l’homme semble le croire. Car aujourd’hui arrêté, face aux questions des gendarmes et du juge d’instruction, Julien cherche les mots. « La vie est différente quand on la vit et quand on l’épluche après-coup ». Que s’est-il passé, de quoi est-il accusé ?

Ce polar à la française (où Poitiers se retrouve plusieurs fois citée) nous présente un homme se retrouvant emprisonné par son histoire, subissant les événements, une sorte de victime consentante (ou coupable ?…), filmé de surcroit au format 1/33, ce qui ne fait qu’ajouter une sensation d’enfermement et d’isolement au déroulement du récit. Une histoire d’amour, de tromperie, de peur où finalement tout reste flou et abstrait et où chacun peut se faire son idée, même si certains indicateurs sont là possibles à décrypter. Un bien joli film parfaitement maitrisé par un Mathieu Almaric toujours aussi habile.

Et puis enfin, j’évoquerai le film autrichien du jour dans la sélection « Un certain regard », Amour fou de Jessica Hausner, une « comédie romantique » librement inspirée du suicide du poète Heinrich von Kleist en 1811. Ce qui peut ressembler à une sorte de farce tragique entre théâtre et cinéma devient une sorte d’essai cinématographique et nous donne l’occasion de philosopher sur le sens de l’amour, de la vie, ou de la mort, de la liberté… et même des impôts.

« On croit vouloir vivre alors qu’en fait on veut mourir » est l’une des répliques cinglantes de ce jeune poète tragique Heinrich qui souhaite dépasser le côté inéluctable de la mort grâce à l’amour. Il tente alors de convaincre sa cousine Marie, qui lui est proche, de contrer le destin en déterminant ensemble leur suicide, mais Marie, malgré son insistance, reste sceptique. Heinrich est déprimé par le manque de sensibilité de sa cousine, alors qu’Henriette, une jeune épouse qu’Heinrich avait également approchée, semble soudainement tentée par la proposition lorsqu’elle apprend qu’elle est atteinte d’une maladie incurable.

Intéressant et original sujet au cœur de ce festival, surtout quand Jessica Hausner explique ce qui l’a motivé à travaillé ce thème : « C’est pour moi paradoxal de penser qu’on peut mourir à deux. On est irrémédiablement seul face à la mort, puisque son essence même est de couper nos liens avec les autres. C’est ce paradoxe qui m’intéressait. » et d’ajouter «  Ce film se veut un essai sur l’ambivalence du sentiment amoureux : on peut se sentir très proche l’un de l’autre à un moment précis et remarquer tout de suite après que c’était un malentendu ; ou encore éprouver des émotions contradictoires pour une personne qu’on n’aime en fait plus depuis longtemps. » La force de ce film réside finalement sans doute dans le fait d’aborder ces questions particulièrement difficiles au travers de l’absurde et de la dérision… mais toujours avec subtilité et élégance.

MARTYR

Monter une pièce à la maison, c’est un peu ce que vient d’expérimenter le poitevin Matthieu Roy avec « Martyr », la dernière pièce du dramaturge allemand Marius von Mayenburg, qu’il vient de présenter pour la première fois en France au TAP à Poitiers avant de partir pour une tournée nationale. Un texte fort qui aborde, en premier lieu, une certaine lecture fondamentaliste du texte biblique conduisant un adolescent à une radicalisation outrancière qui influe sur toutes ses relations.

Parce qu’il ne veut soudain plus assister aux cours de natation de son lycée, Benjamin révèle à son entourage le bouleversement mystique qu’il traverse. Habité par les Saintes Écritures, le jeune homme se retranche dans la lecture de la Bible et de son interprétation de Dieu qu’il n’a de cesse d’opposer à sa mère et ses professeurs. Petit à petit, le lycéen se drape dans des habits de « martyr » dans une lutte idéologique, philosophique et morale qui perturbe le quotidien de son établissement.

Si le thème peut sembler ardu, finalement on se retrouve d’avantage face à une comédie qu’à un véritable drame. Les tensions entre les personnages qui finalement ne s’écoutent plus, ne cessent de créer des quiproquos et des situations burlesques voire ridicules. Et si une certaine approche de la religion (je dis bien certaine car heureusement minoritaire) cherchant à « utiliser Dieu à sa sauce » ou à utiliser le texte comme une épée plus que comme une lettre vivante est le point de départ du récit, beaucoup d’autres thématiques sont aussi abordées. Un ami me disait à la sortie : « Vraiment tout le monde en prend pour son grade ! »… le système éducatif, le prêtre et l’Église, la puissance de la manipulation, le couple et la monoparentalité, l’antisémitisme, une certaine approche de la sexualité également, sans oublier assez globalement l’adolescence et la jeunesse où le faible, le handicapé, le « différent » est celui que l’on jette… Des tas de sujets qui se rencontrent, se bousculent pendant 1 heure 15.

Alors, forcément beaucoup de caricatures volontaires apparaissent, mais toujours portées pas une magnifique mise en scène, réglée au couteau où l’ambiance sonore, le choix de décor, les lumières et le ton des acteurs ne permettent jamais que l’histoire devienne farce mais reste constamment finement mené sur un fil tendu entre drame et comédie.    

Concernant la dérive fanatique, Matthieu Roy s’attarde sur « le mécanisme de la radicalisation qui permet de faire dire tout et n’importe quoi aux écritures. Une radicalisation qui se fait par étapes. » Il est vrai que l’on chemine avec l’histoire, on avance dans ce mécanisme désastreux comme Benjamin lui-même s’enfonce, se découvre (au sens littéral comme au figuré), prend de l’assurance… on entre et on sort au rythme haletant des acteurs et de ce rideau de fond de scène qui devient lui-même un peu le cœur de l’histoire.

 

Un coup de chapeau également à l’excellente initiative du TAP d’avoir proposé cette pièce en langue des signes au travers de deux comédiennes qui, sur le bord de la scène, rejouaient l’histoire en parallèle et au plus proche de l’action. Magnifique !

 

Une pièce à découvrir, pour nous rappeler peut-être que la foi est autre part, autre chose, autrement…