ROOM

Tout fraîchement oscarisé pour le meilleur premier rôle féminin, Room sort aujourd’hui sur les écrans français. Un film bouleversant est directement inspiré de deux histoires vraies sordides de femmes séquestrées, complètement coupées du monde, pendant des années et ayant enfanté pendant leur supplice.

La première grande et belle idée de cette histoire est de nous faire avancer au travers de la narration du petit Jack, cet enfant qui fête ses cinq ans avec sa maman, dans ces quelques mètres carrés qui forment l’unique univers qu’il connaît. Une vraie tendresse et naïveté troublante se dégagent naturellement de cet enfant. Et à cela s’ajoute un parti pris de ne pas faire de sensationnalisme, de ne pas aborder le fait divers sous forme d’enquête policière à rebondissements, d’ignorer presque le tortionnaire avec grande habilité scénaristique. C’est un quotidien simple et terrible à la fois qui nous permet de découvrir la situation et de nous laisser tranquillement émouvoir, sans besoin de surcharger grossièrement.

La deuxième qualité du film est la construction en deux temps. Sans trop dévoiler de choses, on peut parler d’un avant et d’un après… Deux actes d’une heure chacun qui nous font entrer plus encore dans la psychologie des personnages. Le monde s’élargit, devient presque infini. Mais qu’en est-il de l’enfermement vécu, de la capacité à se libérer, de vivre une forme de résilience ? Des moments extrêmement poignants nous sont alors offerts. Un repas familial où le grand père ne peut regarder son petit-fils… un retour dans la pièce… la bêtise d’une journaliste et ses conséquences… une conversation téléphonique entre la mère et son fils…

Tout est réglé à merveille par le réalisateur Lenny Abrahamson, tant dans la manière de filmer ou d’utiliser sobrement la musique, pour laisser plus qu’une performance d’acteurs éclater devant nos yeux à la fois émerveillés, touchés et parfois mouillés. Une performance d’acteurs au pluriel car si la jeune comédienne de 26 ans, Brie Larson (déjà repérée et primée pour son rôle de directrice d’un centre pour adolescents en difficulté dans « States of Grace » il y a trois ans) est absolument prodigieuse – ce qui lui a valu la statuette hollywoodienne tant convoitée – c’est encore plus le jeune Jacob Tremblay, âgé de 8 ans au moment du tournage, qui émerveille de justesse et d’intensité. Ce duo brille d’une force d’incarnation étonnante qui finalement nous cloue dans notre fauteuil et nous remue les trippes puissamment.

Enfin, il y a des films qui déclenchent des émotions et puis qu’on oublie vite aussi… Room n’en fait pas partie. L’effet est là mais il se prolonge, il s’intensifie, il nous fait réfléchir. Au-delà de l’histoire même, beaucoup de sujets sont abordés discrètement et apparaissent petit à petit ou ressurgissent en y pensant… des questionnements sur l’être humain, la famille, la complexité de notre monde, de nos relations, sur la force de l’espérance ou sur nos enfermements, nos prisons mentales.

Alors courez-y, laissez-vous enfermer… et croyez moi, vous en sortirez plus libre encore !

HISTOIRE DE JUDAS : REFORMULER POUR LIBÉRER !

Lors du dernier festival de Berlin, le Jury Œcuménique a donné son prix, dans la sélection Forum, au nouveau film du réalisateur franco-algérien Rabah Ameur-Zaimeche « Histoire de Judas ». Un regard très personnel sur le récit des évangiles loin des habituelles reconstitutions. Le film est sorti aujourd’hui sur les écrans français dans une cinquantaine de salles.

L’histoire

Après une longue ascèse, Jésus rejoint les membres de sa communauté, soutenu par son disciple et intendant, Judas. Son enseignement sidère les foules et attire l’attention des résistants, des grands prêtres et de l’autorité romaine. Quand il chasse les marchands du Temple, Judas se révèle être le gardien des paroles du maître…

Critique

Le regard que nous portons sur un film est toujours lié d’une façon ou d’une autre au moment où nous le regardons, à notre état de forme, à nos émotions de l’instant. C’est ainsi que parfois nous pouvons passer à côté d’une histoire qui, dans d’autres circonstances, nous touchera avec force. Il me faut donc vous dire que c’est juste quelques jours après mon retour d’un temps d’animation d’un séminaire ayant pour thème la « reformulation » que j’ai pu découvrir le film de Rabah Ameur-Zaimeche.

Histoire de Judas est précisément un exercice de reformulation d’une histoire, d’un texte connu de tous, marqué d’interprétations, de croyances, de spiritualité. Accepter la reformulation d’autrui implique précisément l’abandon de son savoir propre, de ses repères personnels… pour entrer dans le paradigme proposé. Et cette étape est indispensable pour pénétrer dans l’Histoire de Judas proposée ici. Que ce soient les repères historiques, bibliques, comme la tradition des personnages et parfois de leurs noms… même l’arabe, le berbère et les youyous des femmes trouvent leur place… tout est bousculé, revu, réinventé. Barrabas se transforme en Carrabas, un poète fou et marginal. Jésus sourit, rit et pleure et prophétise même une migraine et sa guérison. On ne sait plus qui est la femme adultère et sa mère devient Marie Madeleine. Le bon Samaritain de la parabole n’est alors autre que celui qui relève Judas quand il se retrouve agressé et à terre. Quand à Judas justement, il est l’ami de Jésus, celui qui l’accompagne et le porte au sortir de son jeûne. Ce compagnon de route qui cherche à le protéger et qui devient aussi le protecteur des paroles prononcées. Point de traitrise mais une absence provoquée par Jésus lui-même pour justement empêcher de figer les mots et le récit sur des rouleaux de « journalistes paparazzis » du moment.

C’est peut-être là le cœur du message délivré par Rabah Ameur-Zaimeche. Refuser l’enfermement du texte pour lui laisser sa liberté comme celle redonnée aux poules, pigeons et autres êtres vivants dans la cour du Temple. La vie ne peut se retrouver derrière des barreaux, quelqu’ils soient, nous disent Jésus et Judas. Ce qui nous permet sans doute aussi de comprendre le choix du réalisateur de préférer les extérieurs aux pièces fermées, au risque d’ailleurs que les plus beaux palais deviennent, eux aussi, des ruines comme celles qui entourent le face à face entre Pilate et Jésus précédant la crucifixion.

Une autre particularité de ce film qui l’éloigne encore plus des traditionnelles représentations est le choix minimaliste et théâtral. Presque une sorte de tragédie grecque, dans un décor algérien désertique et montagneux, où très rarement plus de deux personnages sont présents sur l’écran. On entend parfois la foule mais elle est surtout suggérée. L’important est ailleurs… Même le jeu des acteurs n’est pas vraiment ce qui compte et permet d’accepter certaines hésitations. Je me suis même trouvé à repenser au film Maestro, Rabah prenant alors des airs de Michael Lonsdale.

Histoire de Judas est un film à recevoir comme l’image d’un tableau, sans chercher à tout analyser, comprendre, discerner… comme ce parfum de grand prix accueilli par Jésus les yeux fermés et dans un abandon total. Une reformulation qui ouvre, je crois, une autre expérience du possible et nous permet de ne pas oublier que la Parole est libre et vivante.

Argumentation du Jury Œcuménique lors de sa remise du prix à Berlin

Le drame historique intemporel sur la vie de Jésus est raconté du point de vue de Judas, l’un de ses disciples, qui, traditionnellement, a été considérée comme le traître de Jésus. Dans ce film, il est dépeint comme Jésus, une victime de la puissance et de l’oppression des dirigeants romains. Ce jeu de la passion demande aux téléspectateurs de regarder au-delà des préjugés et tenter de comprendre la vie et le message de Jésus. Dans la conscience des événements politiques du monde actuel, Histoire de Judas apporte des arguments solides à notre besoin d’écouter les histoires des personnes marginalisées.

 

LIBRE D’HUMOUR

Comment ne pas être horrifié par cet attentat innommable, perpétré hier 7 janvier 2015, dans les locaux du journal satirique Charlie Hebdo à Paris ? Si une idéologie extremiste haineuse porte l’action de ces terroristes jusqu’à l’impensable, il y a aussi plus globalement cette question de la liberté artistique et de la place de l’humour comme cible visée. 

J’ai pu constater dans certaines réactions depuis hier midi (je ne parle pas là de celles de fous-furieux légitimant ces actes odieux), que tout en exprimant leurs réprobations, apparaissent aussi certains relents exprimants leurs soucis avec des dessins passés de ces artistes qui les auraient offensés dans leurs convictions, leurs engagements. Il n’y a pas je crois, deux poids, deux mesures dans cette question. Pas non plus, me semble-t-il (j’exprime là en effet une pensée personnelle), de limites à la liberté artistique et à celle de l’humour… tant que ceux-là ne deviennent pas un support contestable à l’incitation à la haine, à l’exclusion et à la violence.

Notre belle langue française nous permet de jouer avec les mots et pouvoir ainsi faire se répondre ou se confondre les mots amour et humour. Ce dernier justement trouverait ses racines dans celui de humeur avec l’aide de nos voisins britanniques. L’humeur, du latin humor (liquide), désignait initialement les fluides corporels (sang, bile…) pensés comme influençant sur le comportement. Pour nous conduire à l’entendre donc comme un trait de caractère de la personnalité… J’aime alors me rappeler cette vérité fondamentale biblique qui dit que Dieu est amour et la faire se métamorphoser avec celle qui dirait que Dieu est humour. N’y voyez-là aucun blasphème (enfin, vous en avez le droit après tout…) mais ma lecture des textes fondateurs de ma foi chrétienne me conduisent à l’entendre aussi ainsi. Humour du Père, du Fils et de l’Esprit dans leurs actes, leurs paroles, leurs silences… un humour pas toujours compris, pas souvent accepté (voilà là encore un trait caractéristique de l’humour… et de l’amour)… mais pourtant présent ou induit. Volontairement, je n’entrerai pas là dans un exposé précis de textes (ce n’est pas l’objet de cet écrit). Des articles existent déjà sur le sujet et je me réserve la possibilité d’en faire un plus détaillé, peut-être, dans l’avenir. Même quand l’humour égratigne, interpelle, remet en question et peut me secouer… il joue alors aussi un rôle aimant et équilibrant dont notre société humaine à besoin éternellement.

L’autre aspect du sujet touche à la liberté artistique que je ne cesserai de défendre. Ceux qui me connaissent, m’entendent ou me lisent le savent déjà ! J Un chapitre tout entier de mon livre « Malléable, pour tout recommencer », intitulé Développer son potentiel créatif, évoque ces emprisonnements qui se mettent souvent en place pour délimiter l’œuvre de l’artiste. Et nos concepts religieux, tellement souvent loins de la foi, viennent s’engouffrer avec force dans ces ornières dangereuses.

Mon Dieu est celui de la grâce et de la liberté. Qu’il m’appelle à vivre selon certains principes auxquels je choisi d’adhérer est une chose mais, pour autant, il ne me donne pas le droit d’imposer à mon prochain ce qu’il peut ou ne peut pas faire. Il m’encourage à être témoin de sa grâce, à être indicateur du chemin qu’Il est lui-même pour ma vie, à encourager, à relever, à aimer… et comme aimer sans laisser l’autre libre ?

C’est en paraphrases que je conclurai ces lignes… paraphrase d’un slogan publicitaire et paraphrase d’un texte du Nouveau Testament :

L’humour & la liberté… ça fait du bien là où ça fait mal !

Supposons que je parle les langues des hommes et même celles des anges : si je n’ai pas d’humour, je ne suis rien de plus qu’un métal qui résonne ou qu’une cymbale bruyante. Je pourrais transmettre des messages reçus de Dieu, posséder toute la connaissance et comprendre tous les mystères, je pourrais avoir la foi capable de déplacer des montagnes, si je n’ai pas d’humour, je ne suis rien. Je pourrais distribuer tous mes biens aux affamés et même livrer mon corps aux flammes, si je n’ai pas d’humour, cela ne me sert à rien. L’humour ne fait rien de honteux. Il ne cherche pas son intérêt, il ne se met pas en colère, il ne se souvient pas du mal. Il ne se réjouit pas de l’injustice, mais il se réjouit de la vérité. L’humour excuse tout, il croit tout, il espère tout, il supporte tout. L’humour ne disparaît jamais.  (Adapté avec amour du texte d’1 Corinthiens 13.1-8)

MON PALMARES CANNES 2014

Arrivé au bout de cette 67ème édition du Festival de Cannes… le jury œcuménique a remis son prix et deux mentions ce soir et demain samedi à 19h il sera temps de clôturer officiellement cette édition avec la remise de la palme et des nombreuses autres récompenses. Alors vous imaginez sans doute, les pronostiques ou autres rumeurs vont bon train comme toujours et je ne saurai manquer à la règle en vous livrant, non pas des secrets quelconques qui auraient filtrés mais juste quelques uns de mes coups de cœurs personnels qui ont d’ailleurs évolué tout au long de la quinzaine.

Pour ce qui est du Jury Œcuménique, c’est le film mauritanien Timbuktu qui a reçu le prix 2014. S’y ajoutent deux mentions spéciales (les deux dans la catégorie « Un Certain Regard »), l’une pour Le Sel de la Terre de Wim Wenders et l’autre pour Hermosa Juventud de James Rosales. Pour découvrir l’argumentation de ce jury, vous pouvez vous rendre directement sur ce lien : http://cannes.juryoecumenique.org/spip.php?article2882

Alors venons-en à mon palmares, extrêmement subjectif évidemment. Je dirai tout d’abord que pour moi 2014 fut plutôt un bon cru avec pas mal de films très intéressants, beaux et touchants… et pas trop « trash » en plus.

– 2 films à qui j’aurai envie de remettre ma palme d’or :

Jimmy’s Hall de Ken Loach, cet hymne à la liberté, à la vie… et au courage, racontant l’histoire vraie de Jimmy Gralton, le seul Irlandais à avoir été expulsé de son propre pays sans procès, parce qu’il était considéré comme « immigré clandestin » en août 1933.

2 jours 1 nuit des frères Dardenne ce drame social avec Marion Cotillard

   

– Mon « prix du Jury » à The Homesman de Tommy Lee Jones, ce pseudo western sur la rédemption de ce marginal sur une route qu’il n’a pas choisi

– Mon prix spécial à Timbuktu d’Abderrahmane Sissako, ce superbe film mauritanien qui aborde l’invasion djihadiste au Mali.

– Mon prix du scénario à The Search de Michel Hazanavicius, le conflit Tchétchène et la façon dont s’apprivoisent mutuellement Carole et Hadji.

– Ma caméra d’or pour un 1er film irait à Nad Benson pour La disparition d’Eleanore Rigby, cette romantique histoire d’un couple qui tente de survivre à l’absence de l’être aimé.

– Les interprètes masculins de cette 67ème édition (puisque j’en mettrai 2 ex-aequo) seraient pour moi Steve Carell, dans le rôle du milliardaire excentrique John du Pont de Foxcatcher et le tout jeune Abdul-Khalim Mamatsuiev, âgé de 10 ans qui interprète Hadji avec tant d’émotion dans le film The Search.

– Et pour finir… l’interprète féminine reste pour moi cette année Marion Cotillard, bouleversante d’authenticité dans 2 jours, 1 nuit des Dardenne

Voilà… c’est fini… c’était mon humble palmarès à moi… le vrai reste à venir et sera sans doute une autre histoire… à découvrir samedi soir !

 

 

JIMMY’S HALL… ET BIEN DANSEZ MAINTENANT !

La fameuse phrase que l’on voit souvent en début de film : « Les personnages et les situations de ce récit étant purement fictifs, toute ressemblance avec des personnes ou des situations existantes ou ayant existé ne saurait être que fortuite. », n’est vraiment pas l’adage de cette 67ème édition du Festival de Cannes. Au contraire même, puisque nombreux sont les réalisateurs ayant à l’inverse choisi de raconter des histoires s’inspirants de faits réels. Et un de plus ce matin… mais pas n’importe lequel, puisqu’il s’agit du nouveau Ken Loach avec Jimmy’s Hall.

1932 – Après un exil de 10 ans aux États-Unis, Jimmy Gralton rentre au pays pour aider sa mère à s’occuper de la ferme familiale. L’Irlande qu’il retrouve, une dizaine d’années après la guerre civile, s’est dotée d’un nouveau gouvernement. Tous les espoirs sont permis… Suite aux sollicitations des jeunes du Comté de Leitrim, Jimmy, malgré sa réticence à provoquer ses vieux ennemis comme l’Église ou les propriétaires terriens, décide de rouvrir le « Hall », un foyer ouvert à tous où l’on se retrouve pour danser, étudier, ou discuter. À nouveau, le succès est immédiat. Mais l’influence grandissante de Jimmy et ses idées progressistes ne sont toujours pas du goût de tout le monde au village. Les tensions refont surface…

En décidant de nous parler de l’histoire de Jimmy Gralton, le seul Irlandais à avoir été expulsé de son propre pays sans procès, parce qu’il était considéré comme « immigré clandestin » en août 1933, Ken Loach nous propose un hymne à la liberté, à la vie… et au courage. Paul Laverty, scénariste du film, souligne combien il a été frappé par la volonté collective d’ouvrir ce centre, construit par des bénévoles, où les jeunes pouvaient se retrouver pour refaire le monde, se cultiver, donner des cours et, bien entendu, chanter et danser, sans être inquiétés par quiconque, pas même par l’Église et le gouvernement qui, à l’époque, étaient complices. Jimmy et ses camarades étaient résolus à construire un espace de liberté. Alors oui, le « religieux » n’est pas reluisant, tout comme Philomena de Stephen Frears égratignait l’Église irlandaise des années 50… mais il y a de quoi… reconnaissons-le. On peut voir là encore comment la religion peut rapidement s’enfermer dans des conceptions (bien lointaines du texte et des enseignements bibliques. L’un des prêtres de Jimmy’s Hall le reconnaît d’ailleurs) et surtout enfermer l’autre alors, en particulier quand elle cherche à prendre le pouvoir et oublie son rôle de serviteur. Sortir de la religion pour entrer dans la relation… au prochain mais aussi à Dieu pour l’entendre et entendre alors l’autre et le comprendre… quelqu’il soit, quelque soit son rang, ses idées et ses choix. Voilà sans doute une leçon qui transparait de cette ballade irlandaise.

Le risque et les dérives de l’opulence qui conduit à l’exploitation du plus petit et même à sa négation sont aussi constamment présents. « Si on mange plus qu’il ne faut, on finit pas exploser ! » dira l’un des amis de Gralton. Une explosion qui, hélas, fait surtout des dégâts tout autours et chez les plus faibles, mais qui ne détruit tout de même pas l’envie, l’amour, le courage et la liberté. Car tout est là… en particulier dans les instants tristes de ce récit qui soudainement s’illuminent et redonne espoir : Rien n’est jamais perdu, et ce qui a été transmis aux plus jeunes ne sera pas oublié et continuera de vivre et de se transmettre encore.

 

 

 

 

 

 

 

 

Merci monsieur Ken Loach pour ces leçons de vie… et cette leçon de cinéma !

Et rendez-vous le 2 juillet sur les écrans français.