Mercredi 20 avril sort sur les écrans « Le fils de Joseph », le nouveau Eugène Green dans la tradition de son approche cinématographique unique en son genre. Comme le titre le sous entend, c’est la paternité qui est au cœur de l’histoire, en y mêlant humour, gravité et spiritualité.
Vincent, un adolescent de quinze ans, a été élevé avec amour par sa mère, Marie. Celle-ci a toujours refusé de lui révéler le nom de son père. Vincent découvre qu’il s’agit d’un éditeur parisien égoïste et cynique, Oscar Pormenor. Le jeune homme met au point un projet violent de vengeance, mais, alors qu’il renonce à cet acte, sa rencontre avec Joseph, le frère d’Oscar, un homme un peu marginal, va changer sa vie, ainsi que celle de sa mère.
Revenons tout d’abord sur le cinéma d’Eugène Green que j’évoquais dans le chapeau de cet article. Un réalisateur qui vient du théâtre baroque et dont il a gardé, entre autre, une approche du dialogue particulière où toutes les liaisons sont effectuées sans exception, ne laissant ainsi place à aucune muette. Un phrasé donc très étonnant, déroutant même quand on n’y est pas habitué mais qui, en même temps, donne un vrai style, provoque une écoute différente et, parfois même, déclenche le sourire. Il y a donc le son mais aussi le visuel qui est unique chez Eugène Green. La façon d’utiliser la caméra lui est également propre, choisissant de la placer généralement en face à face avec l’acteur qui parle. Le spectateur se positionne ainsi dans les yeux de l’acteur à qui l’on s’adresse. Il entre avec intensité dans le dialogue concrètement et n’est pas simple observateur. Enfin, le jeu des acteurs est aussi marqué de l’empreinte du réalisateur. Peu d’émotions dans le verbiage. Une certaine neutralité l’emporte pour donner paradoxalement plus de force aux mots et laisser faire… « Le fils de Joseph » ne fait pas exception à la règle Green et c’est tant mieux.
Eugène Green dans le rôle d’un réceptionniste, face à Vincent
Qui est mon père ? Se demande Vincent. C’est l’histoire de sa vie… une absence, des non-dits malgré l’amour et l’attention de sa mère. Et comme face à tout secret, il y a un jour la découverte avec ses conséquences. Un père que l’on ne veut pas, que l’on n’aurait peut-être finalement préféré ne pas connaître… mais qui sans le vouloir va offrir au fils un autre père. Derrière les faits, une interrogation sur ce qui établit la paternité, sur ce qui nous permet d’être famille et de construire un avenir.
Eugène Green nous livre alors une métaphore remarquable pour appuyer le questionnement de Vincent, s’appuyant sur plusieurs scènes bibliques. Cinq tableaux pourraient-on dire, où chapitres partant de l’Ancien Testament pour finir avec la famille de Jésus. C’est la reproduction photographique du tableau du Caravage qui décore sa chambre qui sera le point de départ : « Le sacrifice d’Abraham ».
Puis passage par « le veau d’or ». Argumentaire satyrique et caricatural extrêmement efficace et drôle pour découvrir le père biologique englué dans l’univers de l’édition où l’argent serait roi, mais aussi où l’hypocrisie, l’amour de soi et l’apparence règnent en maître.
« Le Sacrifice d’Isaac » permet d’avancer dans l’histoire alors que Vincent met à exécution son plan qui consiste à sacrifier son père dans une sorte de renversement du récit originel. Son bras est aussi retenu donnant ainsi une sentence de grâce sur le géniteur.
Vincent rencontrera alors Joseph dans la quatrième partie intitulée « le charpentier ». Ce Joseph qui deviendra père adoptif au travers de la rencontre, de l’expérience, des sentiments conduisant à une relation filiale non fondée sur le sang.
Et si vous avez fait attention au pitch du film, la mère de Vincent s’appelle justement Marie. Alors comment ne devaient-ils pas se rencontrer ? Joseph, Marie… et Vincent qui deviennent famille mais qui, également, sont conduit à fuir. S’échapper de la capitale pour une aventure en Normandie pleine de péripéties burlesques mais comme toujours symboliques et constructives. Un épisode qui ne pouvait s’appeler autrement que « la fuite en Egypte ».
Un vrai coup de foudre personnel que ce fils de Joseph. Un film différent qui apporte de la fraicheur tout en abordant avec beaucoup de profondeur des thématiques existentielles essentielles. Osez le dépaysement, dépassez les préjugés… et découvrez un autre cinéma vraiment intéressant.
Tout fraîchement oscarisé pour le meilleur premier rôle féminin, Room sort aujourd’hui sur les écrans français. Un film bouleversant est directement inspiré de deux histoires vraies sordides de femmes séquestrées, complètement coupées du monde, pendant des années et ayant enfanté pendant leur supplice.
La première grande et belle idée de cette histoire est de nous faire avancer au travers de la narration du petit Jack, cet enfant qui fête ses cinq ans avec sa maman, dans ces quelques mètres carrés qui forment l’unique univers qu’il connaît. Une vraie tendresse et naïveté troublante se dégagent naturellement de cet enfant. Et à cela s’ajoute un parti pris de ne pas faire de sensationnalisme, de ne pas aborder le fait divers sous forme d’enquête policière à rebondissements, d’ignorer presque le tortionnaire avec grande habilité scénaristique. C’est un quotidien simple et terrible à la fois qui nous permet de découvrir la situation et de nous laisser tranquillement émouvoir, sans besoin de surcharger grossièrement.
La deuxième qualité du film est la construction en deux temps. Sans trop dévoiler de choses, on peut parler d’un avant et d’un après… Deux actes d’une heure chacun qui nous font entrer plus encore dans la psychologie des personnages. Le monde s’élargit, devient presque infini. Mais qu’en est-il de l’enfermement vécu, de la capacité à se libérer, de vivre une forme de résilience ? Des moments extrêmement poignants nous sont alors offerts. Un repas familial où le grand père ne peut regarder son petit-fils… un retour dans la pièce… la bêtise d’une journaliste et ses conséquences… une conversation téléphonique entre la mère et son fils…
Tout est réglé à merveille par le réalisateur Lenny Abrahamson, tant dans la manière de filmer ou d’utiliser sobrement la musique, pour laisser plus qu’une performance d’acteurs éclater devant nos yeux à la fois émerveillés, touchés et parfois mouillés. Une performance d’acteurs au pluriel car si la jeune comédienne de 26 ans, Brie Larson (déjà repérée et primée pour son rôle de directrice d’un centre pour adolescents en difficulté dans « States of Grace » il y a trois ans) est absolument prodigieuse – ce qui lui a valu la statuette hollywoodienne tant convoitée – c’est encore plus le jeune Jacob Tremblay, âgé de 8 ans au moment du tournage, qui émerveille de justesse et d’intensité. Ce duo brille d’une force d’incarnation étonnante qui finalement nous cloue dans notre fauteuil et nous remue les trippes puissamment.
Enfin, il y a des films qui déclenchent des émotions et puis qu’on oublie vite aussi… Room n’en fait pas partie. L’effet est là mais il se prolonge, il s’intensifie, il nous fait réfléchir. Au-delà de l’histoire même, beaucoup de sujets sont abordés discrètement et apparaissent petit à petit ou ressurgissent en y pensant… des questionnements sur l’être humain, la famille, la complexité de notre monde, de nos relations, sur la force de l’espérance ou sur nos enfermements, nos prisons mentales.
Alors courez-y, laissez-vous enfermer… et croyez moi, vous en sortirez plus libre encore !
Cette 68ème édition du Festival de Cannes a choisi de changer les habitudes en proposant en ouverture un film français social, loin des superproductions à paillettes. « La Tête haute » d’Emmanuelle Bercot, qui sort aujourd’hui également sur les écrans français, nous fait donc entrer dans la quinzaine de façon plutôt directe et en tout cas, pas dans la dentelle.
C’est dans le bureau d’une juge pour enfants, jouée par Catherine Deneuve, que tout commence assez brutalement, dans un face à face choc avec une jeune mère de famille qui « pête les plombs » devant le regard muet de son bambin de 6 ans, le jeune héro de l’histoire, Malory (Rod Paradot). On suivra son parcours sur plus de 10 ans fait de ruptures, de violences, et de tentative d’accompagnement par la juge, mais aussi par un éducateur cherchant inlassablement à le sauver de lui-même.
Ma première envie est de souligner le magnifique travail d’acteurs de façon assez large mais en particulier du trio évoqué précédemment : Catherine Deneuve bien sûr, le jeune Rod Paradot, que le nouveau président Pierre Lescure nous avait annoncé en conférence de presse pré-festival comme bouleversant et un Benoît Magimel d’une justesse et d’une vérité étonnante.
« La Tête haute » est un film d’aujourd’hui qui colle à une réalité sociale, celle de disfonctionnements familiaux, sociaux pouvant se manifester… de violences physiques, verbales, psychologiques… et des difficultés d’un système éducatif et de justice face à des mineurs touchés de plein fouet par une certaine cruauté de la vie. Une phrase devient alors l’essence de l’argumentation de la réalisatrice : « L’éducation est un droit fondamental. Il doit être assuré par la famille et, si elle n’y parvient pas, il revient à la société de l’assumer. » Pour Malory, cette prise en main de la justice et des structures sociales qui suivra ne sera pas aisée et cousue de fil blanc. Et le spectateur se retrouve lui aussi poussé, comme à certains moments la juge ou l’éducateur, à baisser les bras et à avoir envie de lui « rentrer dedans » ou plus simplement de laisser ce jeune chien enragé se dévorer lui-même.
Mais ce film prône que rien n’est joué d’avance dans la vie, qu’un déterminisme social ne saurait forcément l’emporter. Encore faut-il évidemment arriver à saisir la main tendue, accepter la foi que d’autres peuvent avoir en nous, sortir de ses prisons intérieures souvent bien plus résistantes que les barreaux physiques de plusieurs centres par lesquels passera Malory. Autodestruction, décadence mais aussi restauration et résilience sont ainsi les maitres-mots de cette très belle histoire qui prend vie sur les écrans en ce mercredi 13 mai 2015. Un film qu’il fera bon voir et avec lequel on pourra réfléchir et même utiliser pour travailler sur soi-même et sur le sens de la vie, de l’engagement et de la famille.
Avec Le rôle de ma vie, l’acteur américain Zach Braff s’associe à son frère Adam pour écrire puis réaliser et jouer l’histoire d’un trentenaire conduit par la force des évènements à prendre sa vie en main autrement.
Dans la catégorie « Feel-Good movies », le rôle de ma vie se classe vraiment très haut car pu…naise (attention au bocal aux gros mots qui tient toute sa place dans le film), on en sort vraiment bien ! Pourtant le scénario, à la base, n’est pas franchement super facile :
Aidan (incarné par Zach Braff) a bientôt quarante ans, il vit avec femme (Kate Hudson) et enfants. Sa carrière d’acteur et son compte bancaire sont à zéro, son frère est ingérable, il se débat avec sa religion (le judaïsme) et son père va mourir. En gros Aidan n’a plus le choix : il doit affronter ses responsabilités et devenir, enfin, un homme. C’est en fait une quête identitaire qui se joue dans cette histoire avec en arrière plan les relations père-fils et la place de la religion ou parfois plus largement de la spiritualité.
Avoir des rêves que l’on veut à tout prix réaliser, et en particulier quand ils touchent à la vie d’artiste et quand ils sont directement impactés par des blessures relationnelles, conduit souvent à l’incompréhension de l’entourage. Cela peut aboutir à se retrouver soi-même dans la marge… et à devoir faire des choix à un moment donné de l’existence. Ce moment pour Zach, il le situe à la fin de la trentaine, instant stratégique où pour lui peuvent aussi se manifester des questions importantes touchant à la spiritualité, à ce qui donne sens à la vie, à ce que je crois. Cette quête identitaire, Braff choisi de l’aborder avec beaucoup de justesse et de sensibilité. On pourrait parler là de véritable poésie ambiante qui devient plus concrète encore à diverses occasions de l’histoire où plusieurs textes poétiques sont déclamés.
Si l’émotion est au rendez-vous, elle vient tantôt dans le sourire ou le rire, tantôt dans la tendresse, la réflexion, voire les larmes. Il y avait bien sûr, comme toujours avec de tels films, un risque majeur de tomber dans la guimauve, le pathos… mais Zach Braff l’évite adroitement selon moi (même si cet avis ne sera pas partagé forcément par tous). Il soigne l’esthétique, la photo, le jeu des acteurs et la bande son (Bon Iver, The Shins, Paul Simon…) et fait de son dernier long métrage un charmant film qui vous laisse un très bon arrière goût !
Alors qu’une loi sur la famille se discute à l’Assemblée Nationale, le Festival de Cannes se penche aussi sur le sujet. Il faut dire que les relations familiales sont souvent le point de départ de nombreuses intrigues. Deux films qui viennent d’être présentés évoquent donc des situations assez dramatiques, de relations parents-enfants.
Tout d’abord c’est dans le contexte extrêmement particulier d’Hollywood que David Cronenberg situe l’action de Maps to the Stars. On est là dans du Cronenberg pur jus, où humour cinglant et violence glacante se cotoient comme un tableau aux couleurs éclatantes, plein de personnages totalement burlesques ou sortes d’icones du cliché : l’ex-actrice viellissante et aigrie, le « Justin Bieber » tête à claques, l’ignoble père kiné-gourou belle gueule, la fille rejetée-brulée-tarée virtuelle star d’un film gore de série B, et bien sur le beau gosse chauffeur de limousine (joué par Robert Pattinson qui passe, pour la petite histoire, de l’arrière à l’avant en l’espace d’un film de Cronenberg, de Cosmopolis à Maps to the stars).
Sur une histoire d’inceste entre frère et sœur, on découvre un monde où la violence frappe de toute part… violence des mots, des comportements, des actes… perfidie, hypocrisie, folie… avec un zest d’amour, parfois étrange tout de même. La famille éclate, s’écharpe, se détruit à la vitesse d’une étoile filante.
Avec Dohee-Ya (Une fille à ma porte) premier film de la réalisatrice coréenne July Jung, c’est l’extrème violence qu’inflige un père à Dohee, sa fille, qui sous tend l’intrigue où Youg-nam, une jeune policière de Séoul, transférée dans un petit village côtier, va tenter d’intervenir pour la protéger. Elle découvrira alors les différentes facettes de la personnalité de l’enfant et verra aussi son passé et ses failles ressurgir. Là encore, c’est une famille en déliquescence qui nous est présentée. On se confronte à l’alcoolisme, la violence, les rumeurs, et les conséquences psychologiques que tout cela peut engendrer. Les deux personnages féminins de l’histoire sont magnifiques d’authenticité et brillent sur l’écran. On regrettera peut-être la prestation de l’acteur jouant le rôle du père alcoolique, qui sur-joue allègrement… mais cela correspond sans doute à certains critères culturels qui le veulent.
Une famille en souffrance, qui explose de toute part… mais quelques lumières qui continuent à briller de temps à autres qui permettent tout de même d’espérer. La preuve, le dernier film des frères Dardenne, Un jour une nuit, mais je vous en parlerai dans mon prochain article qui lui sera entièrement consacré.
The place, Billie, Drunk, Michel-Ange… Toute l’actualité ciné avec Jean-Luc Gadreau, journaliste et blogueur.
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NOUVEAU ! « Je confine en paraboles »
Chaque jour à 7h45 , pendant ce temps de confinement, je vous propose ma minute-vidéo « Je confine en parabole »… histoire de bien démarrer la journée.
Que celui qui a des oreilles…
