LA MORSURE DES DIEUX

S’émerveiller devant une nature si belle et généreuse pour finalement interpeller sur la terrible condition paysanne avec une histoire mêlant romantisme et réalisme, délicatesse et rudesse… Telle est « La Morsure des dieux », la nouvelle œuvre cinématographique que nous offre la réalisatrice atypique et prolifique Cheyenne Carron.

Sébastien, grand amoureux de sa terre du Pays-Basque, est seul à s’occuper de la ferme familiale alors que les soucis s’accumulent : crédits insurmontables, baisse de la production, désorganisation du milieu paysan… Sébastien se bat et cherche sa voie, qui prend un tour spirituel au contact de sa nouvelle voisine, Juliette, aussi Catholique que lui est Païen. Mais leur amour est remis en question alors que Sébastien, rattrapé par les difficultés, est sur le point de tout perdre…

Commençons par évoquer le cas Cheyenne Carron. Quand j’utilise cette expression, ce n’est nullement péjoratif, bien au contraire, plutôt avec tendresse et admiration. Cette réalisatrice française de quarante ans, qui compte une histoire personnelle faite d’épreuves et de rédemptions est une écorchée (titre de son premier long-métrage) vive volontaire et courageuse. Cette artiste entière, passionnée, assumant ses choix et refusant notamment le dictat des sociétés de production ou autres structures du cinéma, a décidée, jusque-là (elle cherche actuellement un producteur pour son prochain film déjà écrit), de travailler en étant autonome, sans apport financier de l’état ou du système habituel. Une sorte d’artisan du cinéma qui doit donc fonctionner dans une certaine sobriété technique, financière et humaine mais qui ne l’empêche en aucun cas de chercher la qualité, le sens et même la quantité. Car Cheyenne est aussi une boulimique… on sent que tout ce qui est en elle a besoin de sortir, de s’exprimer… et les histoires qu’elle nous présente en sont les fruits.

Déjà 11 films (dont 2 courts métrages) en tant que réalisatrice à son actif et depuis quelques années, un par an en moyenne. Des sujets graves et souvent faisant écho à l’actualité ou à des questions sociétales fondamentales souvent laissées-pour-compte par le cinéma (peut être trop risqué, trop compliqué). Cette fois-ci, après avoir il y a quelques mois traité du djihadisme avec La chute des hommes, elle fait le grand écart pour traiter de la détresse de la paysannerie française en y mêlant des questions de religion et, là en particulier, du paganisme en milieu rural. On pourra y voir d’ailleurs un joli parallèle à sa condition de « paysanne du cinéma » luttant aussi comme son héro pour ce en quoi elle croit et une façon de le vivre.

La Morsure des dieux c’est d’abord une vraie réussite esthétique. Les plans de paysages deviennent presque une forme d’acteur du générique. Ce pays basque est là au cœur de l’histoire et parle tout autant que les dialogues ou que cette magnifique voix off (elle aussi très « esthétique »)… les « bruits » du vent ou du silence… on est porté avec douceur même si pourtant l’histoire qui se joue devant nos yeux nous plonge dans l’horreur d’une société où la désespérance peut conduire aux pires drames. Celui, dans le cas présent, d’abdiquer face à la mondialisation, au rouleau compresseur de l’argent et des banques et des soucis qui s’en nourrissent, pour conduire au suicide. La réalisatrice a encore là puisé dans son histoire : « Le frère de mon grand-père s’est suicidé il y a 18 ans de ça. Les années passant, j’ai vu que la question du suicide touchait de plus en plus de famille dans les campagnes. Il y a environ 500 suicides recensés par an. Peu de films abordent cette question, j’ai eu envie d’écrire sur ce sujet ». Sans jamais tomber dans le pathos et la lourdeur, Cheyenne Carron fait de ce suicide social, une véritable question existentielle.

Et puis le casting de La Morsure des dieux nous séduit. Cheyenne Carron prouve une fois de plus que les stars « bankables » n’ont pas le privilège du savoir-jouer et qu’un film peut aussi être porté brillamment par des noms plus modestes mais tout autant remarquables. Et là, le duo formé par François Pouron (qui revient après avoir déjà été l’un des acteurs de La chute des hommes) dans le rôle de Sébastien, le jeune paysan convaincu et combattant, et la très belle Fleur Geffrier, jeune aide-soignante catholique qui parvient à le séduire, est tout à fait remarquable. Une justesse et un naturel qui crève l’écran et donne corps aux deux personnages. Autours d’eux d’autres acteurs excellents et des non professionnels qui apportent aussi un réalisme utile dans ce contexte particulier du scénario.

Mon seul bémol personnel se situera dans l’ajout de cette confrontation paganisme-catholicisme qui n’était peut-être pas autant nécessaire à mes yeux. Les convictions profondes de Sébastien apportent évidemment du poids dans le scénario et sont appréciables, mais l’opposition qui s’installe est parfois un peu poussée, en particulier dans le rapport au curé du village qui me laisse un peu songeur… Mais enfin, c’est un détail insignifiant et cela touche à la liberté de l’auteur que je ne saurai remettre en question !

Alors ne boudez surtout pas ce cinéma non conventionnel qui fait du bien et est tellement important. Cheyenne Caron, même si elle n’entre pas dans les codes classiques que l’on connaît, est véritablement devenue l’une des réalisatrices et scénaristes importantes du cinéma français et ça, c’est vraiment bon !

 

MON TOP CINÉ 2016

2016 restera une année riche en matière cinématographique. Le Festival de Cannes en est un excellent reflet avec une très belle sélection qui a donné du peps à cette compétition qui, ces dernières éditions, avait un peu déçue. Certains de ses films ne sortiront qu’en 2017 et ne seront donc pas intégrés dans mon classement. Et justement, difficile donc d’en établir un, une vraie short list évidente, tant nombreux ont été ceux qui ont su captiver mon attention et me séduire.

Essayons-nous quand même à la tâche qui ne saurait être exhaustive, mais au contraire pleinement subjective et parfaitement assumée ainsi.

 

MON « TOP 5 » : 

– Premier Contact à égalité avec The revenant

Deux films impressionnants tant artistiquement que par les questions soulevées ?
Du grand spectacle, de l’émotion et du sens

– Tu ne tueras point

Dans la ligne directe des deux premiers. Un Mel Gibson exceptionnel à la réalisation, servit par un Andrew Garfield remarquable. Et quelle histoire !

– Spothlight

Enquête, investigation à l’américaine… un film qui pourrait devenir un classique du genre, avec, en plus, des questionnements spirituels intéressants.

– Tony Erdman

Mon coup de foudre cannois. Un film allemand drôle et profond avec un duo d’acteur de haut vol !

 

MON « TOP FRANCE » :

– Les innocentes

Une force compassionnelle qui se dégage de deux heures poignantes et saisissantes.

– Frantz

Un film qui fait du bien à l’âme et qui confirme, fut-il nécessaire, la qualité de François Ozon.

– Chocolat

Le clown Chocolat ressurgit du passé et permet à ce film de concilier œuvre populaire et film engagé.

– Divines

La pépite de la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes qui se paye la Caméra d’Or du meilleur premier film.

 

MENTIONS SPECIALES :

– La tortue rouge

Le plus beau film d’animation de l’année indiscutablement. Une ode à la nature et à la vie.

– Lettres au Père Jacob

Instant de grâce… Un hymne à l’Amour et un plaidoyer pour le droit à la réinsertion.

 

ET SINON, ET ENCORE… MES GRANDS AUTRES BONHEURS :

– Room

– Juste la fin du monde

– Julieta

– Midnight Special

– Les délices de Tokyo

– La couleur de la victoire

– Moi Daniel Blake

– Paterson

– Polina, danser sa vie

 

ET POUR FINIR, MON CASTING DE L’ANNÉE :

ACTEURS 2016

Andrew Garfield / Adam Driver / Leonard di Caprio

ACTRICES 2016

Amy Adams / Brie Larson / Lou de Laâge

 

La plupart des films de cette liste sont disponibles en DVD, VOD… ou ne tarderont pas à l’être. Alors, ne vous privez pas ! Et quand je pense en plus, à quelques films annoncés pour 2017… dont le sublime SILENCE de Martin Scorcese, que j’ai déjà eu la joie de voir, mais qui ne sortira que le 8 février…

Franchement, le cinéma devrait être remboursé par la sécurité sociale… et si on en parlait à François Fillon ! J

PADRE JORGE

Ce mercredi sort le biopic sur « le pape François », film qui se concentre pour l’essentiel sur l’avant élection du 13 mars 2013. Un scénario tiré du bestseller mondial « Francisco – Vie et révolution » de Elisabetta Pique.

Celui que l’on appelle désormais le pape François, mais qui reste chez lui avec ses fidèles argentins padre Jorge ou bien encore pour l’état civil Jorge Mario Bergoglio nous est présenté ici au travers de ses rencontres avec Ana, une journaliste espagnole d’origine argentine qui le suit depuis la période autour du conclave de 2005 où il avait été « évincé » au profit de Benoît XVI. Une véritable amitié se noue entre les deux protagonistes et devient ainsi le fil narratif du film nous permettant ainsi de découvrir ce personnage autrement.

Réaliser un projet cinématographique du vivant d’une personnalité comme celle-là est toujours assez risquée. On craint vite d’assister au panégyrique de l’homme illustre. Et je dois avouer, n’étant de plus pas catholique moi-même, que ce préjugé était un peu là avant que l’écran noir ne s’éclaire lors de cette avant première presse. Mes soupçons parpaillots tombèrent vite pour laisser place à un bon moment à la fois de cinéma mais aussi plus simplement de découverte. Car ce film mêle adroitement la démarche instructive et artistique. On apprend sur l’homme sans excès, sans doute à la mesure de son caractère à la fois plein d’humanité et d’une certaine tendresse mais aussi bien défini dans ses contours, construit dans une éthique qui dessine sa façon d’être et donc aussi ses choix. Un homme qui sait sourire, profiter de la vie, et même séduire. Et ce rendu ne se fait pas au détriment du film en lui-même. Au contraire… Les acteurs sonnent justes, en particulier le duo formé par les espagnols Dario Grandinetti dans le rôle du padre et face à lui cette Ana jouée par la très belle Silvia Abascal. Deux comédiens qui n’en sont pas à leurs premiers rôles. On a ainsi pu voir récemment Dario dans le magnifique Julieta d’Almodovar ou bien encore dans ce film à sketches assez grinçant Les nouveaux sauvages. Quand à Silvia elle jouait un second rôle dans Truman ou donnait la réplique à Penelope Cruz dans Ma Ma. La réalisation est soignée, de facture classique, assez lente, mais convenant parfaitement aux propos.

On passe donc un très joli moment d’où ressort un fort sentiment de sincérité et, qui plus est, un peu plus instruit sur la connaissance d’un homme qui est train de changer un certain nombre de choses au sein de son Église mais avec des répercussions certaines aussi dans la société plus généralement. Un film à voir donc, que vous soyez croyant ou non, et que vous soyez catholique ou que vous ne le soyez pas…

 

JE SUIS TON PÈRE !

Mercredi 20 avril sort sur les écrans « Le fils de Joseph », le nouveau Eugène Green dans la tradition de son approche cinématographique unique en son genre. Comme le titre le sous entend, c’est la paternité qui est au cœur de l’histoire, en y mêlant humour, gravité et spiritualité.

Vincent, un adolescent de quinze ans, a été élevé avec amour par sa mère, Marie. Celle-ci a toujours refusé de lui révéler le nom de son père. Vincent découvre qu’il s’agit d’un éditeur parisien égoïste et cynique, Oscar Pormenor. Le jeune homme met au point un projet violent de vengeance, mais, alors qu’il renonce à cet acte, sa rencontre avec Joseph, le frère d’Oscar, un homme un peu marginal, va changer sa vie, ainsi que celle de sa mère.

Revenons tout d’abord sur le cinéma d’Eugène Green que j’évoquais dans le chapeau de cet article. Un réalisateur qui vient du théâtre baroque et dont il a gardé, entre autre, une approche du dialogue particulière où toutes les liaisons sont effectuées sans exception, ne laissant ainsi place à aucune muette. Un phrasé donc très étonnant, déroutant même quand on n’y est pas habitué mais qui, en même temps, donne un vrai style, provoque une écoute différente et, parfois même, déclenche le sourire. Il y a donc le son mais aussi le visuel qui est unique chez Eugène Green. La façon d’utiliser la caméra lui est également propre, choisissant de la placer généralement en face à face avec l’acteur qui parle. Le spectateur se positionne ainsi dans les yeux de l’acteur à qui l’on s’adresse. Il entre avec intensité dans le dialogue concrètement et n’est pas simple observateur. Enfin, le jeu des acteurs est aussi marqué de l’empreinte du réalisateur. Peu d’émotions dans le verbiage. Une certaine neutralité l’emporte pour donner paradoxalement plus de force aux mots et laisser faire… « Le fils de Joseph » ne fait pas exception à la règle Green et c’est tant mieux.

Eugène Green dans le rôle d’un réceptionniste, face à Vincent

Qui est mon père ? Se demande Vincent. C’est l’histoire de sa vie… une absence, des non-dits malgré l’amour et l’attention de sa mère. Et comme face à tout secret, il y a un jour la découverte avec ses conséquences. Un père que l’on ne veut pas, que l’on n’aurait peut-être finalement préféré ne pas connaître… mais qui sans le vouloir va offrir au fils un autre père. Derrière les faits, une interrogation sur ce qui établit la paternité, sur ce qui nous permet d’être famille et de construire un avenir.

Eugène Green nous livre alors une métaphore remarquable pour appuyer le questionnement de Vincent, s’appuyant sur plusieurs scènes bibliques. Cinq tableaux pourraient-on dire, où chapitres partant de l’Ancien Testament pour finir avec la famille de Jésus. C’est la reproduction photographique du tableau du Caravage qui décore sa chambre qui sera le point de départ : « Le sacrifice d’Abraham ».

Puis passage par « le veau d’or ». Argumentaire satyrique et caricatural extrêmement efficace et drôle pour découvrir le père biologique englué dans l’univers de l’édition où l’argent serait roi, mais aussi où l’hypocrisie, l’amour de soi et l’apparence règnent en maître.

« Le Sacrifice d’Isaac » permet d’avancer dans l’histoire alors que Vincent met à exécution son plan qui consiste à sacrifier son père dans une sorte de renversement du récit originel. Son bras est aussi retenu donnant ainsi une sentence de grâce sur le géniteur.

Vincent rencontrera alors Joseph dans la quatrième partie intitulée « le charpentier ». Ce Joseph qui deviendra père adoptif au travers de la rencontre, de l’expérience, des sentiments conduisant à une relation filiale non fondée sur le sang.

Et si vous avez fait attention au pitch du film, la mère de Vincent s’appelle justement Marie. Alors comment ne devaient-ils pas se rencontrer ? Joseph, Marie… et Vincent qui deviennent famille mais qui, également, sont conduit à fuir. S’échapper de la capitale pour une aventure en Normandie pleine de péripéties burlesques mais comme toujours symboliques et constructives. Un épisode qui ne pouvait s’appeler autrement que « la fuite en Egypte ».

 

Un vrai coup de foudre personnel que ce fils de Joseph. Un film différent qui apporte de la fraicheur tout en abordant avec beaucoup de profondeur des thématiques existentielles essentielles. Osez le dépaysement, dépassez les préjugés… et découvrez un autre cinéma vraiment intéressant.

 

THE REVENANT : UNE ODYSSÉE SAUVAGE ET EXTATIQUE

Si, il y a moins d’un an, le réalisateur Alejandro González Inárritu m’avait scotché avec un « Birdman » resplendissant, que dire alors aujourd’hui avec sa dernière création « The Revenant » ?… Attention : chef d’œuvre à dimension spirituelle !

Ce film est une libre adaptation du roman du même nom de l’écrivain Michael Punke, qui se centre sur l’histoire vraie, au début du 19e siècle, de Hugh Glass, éclaireur d’un groupe de trappeurs traqués par des Indiens. Il fait une très mauvaise rencontre qui va le laisser pour mort. Trahi par l’un de ses coéquipiers, Glass va, agonisant, s’accrocher aux seuls fils qui le maintiennent en vie, son amour pour sa femme et son enfant, et sa vengeance pour pouvoir entreprendre un voyage de plus de 300 km dans un environnement hostile, sur la piste de celui qui l’a trahi. Sa soif de vengeance va se transformer en une lutte héroïque pour braver tous les obstacles, revenir chez lui et trouver la rédemption.

On peut être légitimement perplexe face à une surabondance outrancière d’éloges et de publicité lors de la sortie d’un blockbuster américain. À quelle sauce va-t-on encore être mangé ? Avec The Revenant, cet à-priori n’a tenu que quelques secondes, pour s’évaporer telle l’haleine froide du trappeur venant embuer la caméra, tant l’immersion dans l’aventure est rapide est puissante. Extrême, brutal et pourtant immensément beau… ces qualificatifs me semblent à la fois évidents et pourtant insuffisants. Inárritu nous plonge en effet au cœur d’une odyssée sauvage, une sorte d’expérience inouïe où tous les sens sont bouleversés, où le spectateur est pris aux tripes du début à la fin.

Pas de réels répits en fait, même si de longs moments de quiétude apparente nous sont offerts, mais chaque scène, chaque plan est d’une beauté picturale unique à couper le souffle. Cette dualité entre bestialité, combat, souffrance, hostilité d’un côté et perfection, calme, immensité d’une nature éblouissante de l’autre est un fondement de cette histoire. Même la tranquillité devient inquiétante finalement. Le tout magnifié techniquement par une exceptionnelle photographie, signée Emmanuel Lubezki , le chef-operateur à qui l’on doit notamment Birdman et Gravity, qui a fait le choix osé mais remarquable dans le contexte de l’histoire de ne recourir qu’à la lumière naturelle pour travailler. Cette traversée de l’enfer que vit Hugh Glass dans un décor de rêve se transforme au fil du temps en un regard sur la solitude, ainsi que sur l’endurance physique et psychologique de l’Homme. « Bats-toi jusqu’à ton dernier souffle… » « Respire, respire… » Ces mots émergent de la dévastation et deviennent un hymne à la vie.

Alejandro González Inárritu y ajoute cependant une puissante force spirituelle, venue transcender le motif de la vengeance et de l’amour. Sur sa route, dans son combat qu’il soit d’ailleurs intérieur ou extérieur, le divin s’immisce fait de rêves, de souvenirs, de rencontres. Il le ressuscite, le porte, l’apaise, le transforme… Et Inárritu semble s’en délecter en jouant avec la caméra et incorporant des plans allégoriques faits de grand angle, de contre plongée, à la Terrence Malick, pour amplifier la dimension spirituelle. En utilisant d’ailleurs le verbe ressusciter je pointe sans doute là une réelle thématique de The revenant. L’homme qui reprend vie, quittant la tombe qu’on lui a creusée, en s’enveloppant ensuite dans la peau et le corps de la bête morte et dépecée puis renaissant à nouveau. L’homme qui guérit de ses blessures en rêvant aux ruines d’une église où l’image d’un Christ crucifié rappelle les blessures de la Passion si ressemblantes à celles qui marquent son corps.

Enfin, impossible de ne pas évoquer les performances d’acteurs, et en particulier celle de Leonard DiCaprio et Tom Hardy. Pour DiCaprio tout spécialement, ici tellement loin de l’image hollywoodienne, beau gosse, lisse et souriant qui lui colle parfois à sa peau, et saisissant dans la force de son visage, de son regard et de ses silences. Il se prête ainsi parfaitement au choix du réalisateur de coller au plus prêt de l’action. On perçoit aisément alors toute sa colère, sa rage, sa tristesse, sa souffrance.

C’est vide et plein à la fois que je ressors finalement de cette séance, avec une profonde envie d’y retourner, de renouveler l’expérience cinématographique offerte. Et vous y inviter vous aussi, en ne manquant toutefois pas de mettre en garde les âmes les plus sensibles, l’interdiction au moins de 12 ans l’indiquant clairement (- de 17 non accompagnés même aux États-Unis).