Fin de Festival… l’heure du pré-bilan, avant que ce soir le Jury ne rende sa copie et nous dévoile le palmarès officiel. Mais déjà un certain nombre de prix ont été donnés dont le prix du Jury œcuménique et je me dois aussi de vous livrer le mien. Des choix totalement subjectifs que j’assume et qui ne représentent évidemment que mon avis du moment.
Revenons tout d’abord sur ces premiers prix décernés dans cette journée de samedi. À 16h, dans le salon des ambassadeurs du Palais des Festivals, une foule particulièrement nombreuse cette année assistait à la cérémonie officielle organisée conjointement par le Jury œcuménique et le Jury de la presse internationale du cinéma FIPRESCI. Le soir, dans le théâtre Debussy, le Jury de la sélection Un certain regard lui aussi donnait ses résultats :
Vers la lumière (Hikari) de Naomi Kawase, qui raconte l’histoire d’une jeune femme qui rend les films accessibles aux aveugles grâce à l’audio description, a reçu le Prix du Jury œcuménique.
Le Jury argumente son choix ainsi : « Ce film de grande qualité artistique nous invite par sa poésie à regarder et écouter plus attentivement le monde qui nous entoure, a déclaré le jury. Il nous parle de responsabilité, de résilience, d’espoir, de la possibilité, même pour ceux qui sont dans l’obscurité, d’apercevoir la lumière ».Ma critique à retrouver ici
120 Battements par minutede Robin Campillo s’est vu remettre le prix Fipresci en sélection officielle. « Un film d’amour, un film sur la vie, la vie plus forte que la mort, un film comme une lueur d’espoir » a justifié le Jury. Les autres prix Fipresci ont été remis à Une vie à l’étroit (Tesnota) du Russe Kantemir Balagov et à L’Usine de rien (A Fabrica de nada) du Portugais Pedro Pinho.
Visages, Villagesd’Agnès Varda et JR a reçu L’Œil d’or du meilleur documentaire, prix décerné par un jury présidé par Sandrine Bonnaire qui s’est dit « profondément émue par le choix d’Agnès et JR d’aller à la rencontre des soi-disant petites gens, touchée au cœur par ce film qui conte la considération de l’Autre à travers l’art. Deux regards conjugués, tendres et généreux… »
Bruno, le caniche blanc de The Meyerowitz Stories a reçu la Palm Dog pour sa performance aux côtés de Dustin Hoffman. « Franchement c’était un rôle génial parce qu’ils ont mis le chien au cœur du scénario, explique l’organisateur du prix Toby Rose. Il est sympathique… pour cela, on s’est dit qu’il avait mérité sa récompense. » Dans la vraie vie, ce grand caniche s’appelle Einstein !
La BO de Good Time des frères Safdie, signée par Oneohtrix Point Never et Iggy Pop, a reçu le prix Cannes Soundtrack.
En partenariat avec le festival de Cannes, l’association « La semaine du Son » a créé un nouveau prix : Prix de la meilleure création sonore. Il a pour vocation de récompenser un réalisateur pour l’excellence sonore de son film « parce qu’elle sublime la perception artistique, sémantique et narrative du spectateur ». Concourent pour ce prix les films sélectionnés dans la section Un Certain Regard. C’est le film tunisien La belle et la meute de Kaouther Ben Hania qui a remporté hier ce prix de la meilleure création sonore, dans sa première édition.
Du côté de la toujours très bonne sélection Un certain regard justement, le Jury présidé cette année par Uma Thurman a livré lui aussi son palmarès :
Le prix Un certain regard est décerné à Lerd (Un homme intègre) de Mohammad Rasoulof. Le prix d’interprétation féminine à l’italienne Jasmine Trinca pour Fortunata. Le prix de la poésie du cinéma pour Barbara de Mathieu Amalric. Celui du prix de la mise en scène à Taylor Sheridan pour Wind river. Et enfin le prix du Jury à las hijas de abril (les filles d’Abril) de Michel Franco.
Voilà… et maintenant, à mon tour de me risquer à un palmarès, comme je le disais en introduction, totalement subjectif et assumé.
Pour MA palme d’or, comme je le pressentais déjà en sortie de séance et l’expliquais dans ma critique, Hikari (Vers la lumière) de Naomi Kawase n’a pas été détrôné. Je me suis réjoui de constater que le Jury œcuménique y a été aussi particulièrement sensible pour lui remettre à l’unanimité son prix. Un film qui conjugue merveilleusement bien esthétique, poésie, musique, jeu d’acteurs, thématiques humaines et en plus diverses. Un film qui touche, droit au cœur et pourra se revoir, se réfléchir, s’approfondir encore. Hikari restera dans la durée sans nul doute.
Pour ne pas en rester là je continuerai avec les prix d’interprétation masculine et féminine :
Nahuel Perez Biscayart dans 120 battements par minute est pour moi remarquable et d’une intensité rare dans ce rôle difficile et poignant. Louis Garrel dans son interprétation de Godard est aussi à mentionner tout particulièrement.
Maryana Spivak pour son rôle de mère égocentrique et impassible dans le film Nelyubov (Faute d’amour) donne à cet excellent film une tension directement liée à son personnage. Je voudrai aussi souligner le rôle de Jasmine Trinca dans Fortunata (mais en sélection Un certain regard) qui, une fois de plus, après Miele, notamment, confirme ses qualités exceptionnelles d’actrice italienne. Diane Kruger est aussi l’une des comédiennes incontournables de cette 70ème sélection.
Et d’autres films m’on aussi marqué et j’aimerai les évoquer là rapidement. The Square drôle et efficace, mais aussi terriblement clivant, pourrait être mon Grand prix. Un prix du Jury qui irait alors à Wonderstruck offrant une jolie histoire venant sans doute faire un certain écho à Hikari sur certains aspects du scénario, même s’il n’en a pas la même richesse. Celui de la mise en scène serait offert à Michel Hazanivicius pour son originale approche de Godard dans Le redoutable, et enfin celui du scénario pour The Meyerowitz Stories qui, tout en me laissant quelque peu sur ma faim, me semble être intéressant dans sa façon d’aborder une histoire familiale torturée mais où toujours quelque chose de possible reste envisageable.
Une dernière remarque enfin concernant ce qui peut être considéré comme la grande thématique de cette édition 2017 (toutes sélections confondues) : La difficulté de transmission et d’amour de parents à enfants. Signe peut-être d’une société en souffrance familiale… Il n’était vraiment pas très bon d’être « parent » bien souvent dans ces longs métrages qui ont nourris cette jolie quinzaine cannoise !
Retour sur The Meyerowitz Stories du réalisateur américain Noah Baumbach. Second film (après Okja) qui sera disponible seulement sur la plateforme Netflix. Casting impressionnant avec Ben Stiller, Dustin Hoffman, Adam Sandler, Elizabeth Marvel, et Emma Thompson.
Chronique familiale new-yorkaise à la Woody Allen, The Meyerowitz Stories nous plonge dans le récit intergénérationnel d’une fratrie en conflit rassemblée autour de leur père vieillissant, joué avec son talent habituel par le classieux Dustin Hoffman. Rien de bien original sur le papier et, j’en conviens, rien d’exceptionnel non plus. Mais le cinéma, c’est aussi parfois, juste prendre un bon moment, sourire, se détendre et se laisser prendre par une belle histoire, bien jouée, bien ficelée. Et c’est vraiment le cas ici et le point fort de Noah Baumbach dans cette dernière œuvre.
Mais, on pourra toujours aussi y voir malgré tout un peu plus en s’attachant aux ressorts du scénario. Et puisque 2017 est marquée par la thématique de la fraternité, pour le protestantisme français dans cette année de commémoration, alors c’est un film qui peut faire sens et servir pour discuter et réfléchir ensemble. Car dans l’histoire, rien ne va plus vraiment dans cette famille recomposée où non dits, blessures du passé, frustrations, et plein d’autres choses encore ont laissé des cicatrices toujours ouvertes. Et pourtant… la réconciliation ou restauration est peut-être encore possible, le pardon offert… et tout ça dans une certaine bonne humeur et fraicheur new-yorkaise d’un milieu bourgeois-culturel assez « folklorique ».
Sans être un film génial qui marquera particulièrement ce Festival (à priori), The Meyerowitz Stories reste donc un bon divertissement, de qualité, et ouvrant à plus si on le veut.
Ce 23 mai restera pour moi le jour de la présentation d’un film bouleversant, véritable coup de cœur de ce Festival de Cannes. Vers la lumière, la nouvelle réalisation de la japonaise Naomi Kawase, qui déjà en 2015 avec Les délices de Tokyo avait su me séduire, mélange à la fois beauté et profondeur et touche directement, droit au cœur !
Misako aime décrire les objets, les sentiments et le monde qui l’entoure. Son métier d’audiodescriptrice de films, c’est toute sa vie. Lors d’une projection, elle rencontre un célèbre photographe dont la vue se détériore irrémédiablement. Naissent alors des sentiments forts entre un homme qui perd la lumière et une femme qui la poursuit.
Si la célèbre phrase de St Exupéry « On ne voit bien qu’avec le cœur, l’essentiel est invisible pour les yeux » peut faire admirablement écho à ce qui nous est proposé dans ce Vers la lumière, une autre phrase ressort avec une certaine majesté de ce film : « Rien n’est plus beau que ce que l’on a sous les yeux et qui s’apprête à disparaître ». C’est bien ce que ressent ce photographe renommé en train de voir sa vie se plonger dans l’obscurité. Lui, cet expert et amoureux de la lumière, s’enfonce dans le noir et voit le sens de sa vie lui échapper. Et c’est là qu’il croise le chemin de cette jeune et jolie Misako qui cherche de tout son cœur à dire ce qui est invisible pour d’autre au travers de son métier. Dans le même temps, elle voit sa vie marquée par l’absence d’un père aimé dont seul quelques souvenirs restent et la maladie attaquer sa mère vieillissante.
Le métier de Misako, peut-être montré pour la première fois de la sorte au cinéma, et la cécité grandissante de Masaya, offrent à la réalisatrice japonaise un terrain propice pour construire un petit chef d’œuvre tout en contrastes, d’une justesse incroyable et tellement émouvant. On pendra aussi du plaisir à voir aborder avec amour et originalité photographie et cinéma comme une vraie thématique. Nous avons même le droit à une forme d’explication de ce que devrait être une analyse filmique lors d’une séance de travail avec les aveugles pour tester l’audiodescription de Misako. De même, l’utilisation d’un film dans le film donne une vraie valeur ajoutée, apportant la force d’un symbolisme supplémentaire à l’histoire, autour de la question de la perception du réel, du pouvoir de l’image.
Tout est quasi parfait, de la photo (qui joue évidemment un rôle fondamental vu le sujet) à la musique d’une délicatesse délicieuse signée par le grand Ibrahim Maalouf, de la maitrise des acteurs au scénario et jusqu’au montage. Le film n’est de plus pas trop long (ce qui est de plus en plus rare)… c’est donc pour moi un 20 sur 20 et l’espoir de le voir figurer au palmarès de la meilleure des façons. Peut-être aussi que les membres du Jury œcuménique y seront sensibles car avec cet hymne à la lumière, à l’amour, à la vie… il y a matière à rejoindre les critères particuliers de ce jury. Mais tout ça ne nous appartient pas… alors suspense encore jusqu’à la fin de ce beau Festival.
Je conclurai avec les mots de Naomi Kawase : « Sans lumière, pas de couleurs. Sans lumière, pas d’images. Sans lumière, impossible de réaliser un film. On pourrait dire que le cinéma est lumière. »
Alors merci à elle pour tant de lumière, et ce superbe film !
Sortie prévue le 20/09/2017 … Notez bien dans vos agendas !
Aujourd’hui, zoom sur trois longs métrages présentés ce week-end à Cannes. Trois films extrêmement différents les uns des autres, tant par les sujets, la forme et les émotions qu’ils suscitent. Mais trois films qui donnent de la teneur à ce soixante dixième festival qui, pour le moment, peut se targuer d’une très bonne sélection.
OKJA
Commençons par Okja qui a surtout fait parler de lui avant sa diffusion par le fait qu’il crée un précédent à Cannes. Il s’agit, en effet, d’une production Netflix, qui sortira, non pas en salles, mais sur la plateforme de vidéos. Petit scandale… huées et sifflés en début de séance auxquels répondent rapidement des applaudissements, rien de bien méchant finalement… en tout cas, preuve en est, que Cannes fête ses soixante dix bougies et ouvre ainsi une nouvelle ère préfigurant de changements importants sur la façon de reconnaître officiellement des changements de consommation de la culture déjà bien installés dans la société.
Okja est une fable fantastique à tendance écolo extrêmement bien réussie par le cinéaste sud-coréen Bong Joon-Ho. C’est l’histoire de la jeune Mija, qui pendant dix années idylliques, s’est occupée sans relâche d’Okja, un énorme cochon au grand cœur, auquel elle a tenu compagnie au beau milieu des montagnes de Corée du Sud. Mais la situation évolue quand une multinationale familiale récupère Okja et transporte l’animal jusqu’à New York où Lucy Mirando, la directrice narcissique et égocentrique de l’entreprise, a de grands projets pour le cher ami de la jeune fille.
Derrière cette étonnante histoire qui aurait pu être signée Disney, se profile clairement une dénonciation des pratiques de Mosanto (Mirando…), des OGM, des maltraitances animales et encore plus globalement d’une société de consommation qui donne la part belle au profit quitte a perdre même le véritable goût des bonnes choses. Okja raconte comment cette multinationale, sous couvert d’une fausse identité écologique et philanthropique, veut imposer sa nourriture, ici des cochons mutants, qui, de par leur taille, produisent beaucoup plus de viande qu’un cochon ordinaire. Et tout cela nous est proposé avec humour, tendresse et des prouesses techniques.
120 BATTEMENTS PAR MINUTE
Après le conte, la réalité brutale et dérangeante de 120 battements par minute, premier film français présenté cette année en compétition. Robin Campillo nous plonge au cœur des années sida au travers de l’histoire d’Act Up, sous forme proche d’un docu-fiction et en se fixant plus précisément progressivement sur certains de ces activistes qui montent des opérations spectaculaires pour sensibiliser l’opinion aux ravages du sida et accélérer la diffusion des traitements aux malades, et en entrant dans leur histoire personnelle. Nahuel Pérez Biscayart qui incarne Sean est ainsi tout simplement magnifique et criant de vérité. Il nous entraine dans l’émotion et apporte énormément au film. Beaucoup de « second rôles » sont aussi remarquables comme, par exemple, la mère de Sean que l’on découvre en fin de film dans une scène à la fois émouvante et vivifiante (je choisi ce terme à dessein car il vient comme un paradoxe dans le contexte et correspond précisément à l’ambiance de cette scène).
Le film montre aussi très bien la préparation de ces actions spectaculaires et surtout les débats qui les accompagne, ces fameuses RH (réunions hebdomadaires) parfois houleuses entre les militants pour décider du type d’actions à mener et organiser le travail au sein de l’association.
On pourra aussi préciser que, si le film contient naturellement dans le contexte du scénario, certaines scènes de sexe explicites, Robin Campillo a su intelligemment ne pas surenchérir sur cet aspect et même les filmer avec une certaine tendresse et douceur.
120 battements par minute à donc su trouver son public à Cannes et surtout toucher son cœur.
LE REDOUTABLE
Point commun avec le film précédent, Le Redoutable part d’une réalité. Celle de deux années (1967-68) de la vie de Jean-Luc Godard et de sa jeune épouse Anne Wiazemsky, marquées bien entendu par ce mois de mai qui fera basculer Godard d’un statut de réalisateur adulé à celui de Maoiste incompris, révélant ainsi certaines aspects de sa personnalité qui provoqueront notamment de nombreuses ruptures avec son entourage le plus proche.
Michel Hazanavicius, en traitant ce sujet « historique » apporte néanmoins sa touche décalée avec brio. Et tout devient alors second ou troisième degré tout en restant focus sur son personnage interprété avec grande classe par un Louis Garrel qui peut tout à fait briguer un prix d’interprétation masculine. Les dialogues savoureux provoquent facilement les rires et on se régale des multiples doubles-sens et allusions plus ou moins cachées. Le Festival de Cannes devient même pour un moment l’un des sujets et donc l’éch se produit o naturellement dans les rangées de fauteuils du Festival.
Oui Hazanavicius est redoutable et il le prouve encore avec un film esthétique (nous plongeant dans les couleurs vives des sixties), drôle et intelligent apportant un vrai courant d’air frais sur la Croisette où le soleil ne faiblit pas.
N’allez pas croire que le cinéma scandinave est forcément froid et austère… Les premiers éclats de rires de la compétition de ce 70ème Festival de Cannes viennent d’un film suédois, The Square.
Christian est un père divorcé qui aime consacrer du temps à ses deux enfants. Conservateur apprécié d’un musée d’art contemporain, il fait aussi partie de ces gens qui roulent en voiture électrique et soutiennent les grandes causes humanitaires. Il prépare sa prochaine exposition, intitulée « The Square », autour d’une installation incitant les visiteurs à l’altruisme et leur rappelant leur devoir à l’égard de leurs prochains. Mais il est parfois difficile de vivre en accord avec ses valeurs : quand Christian se fait voler son téléphone portable, sa réaction ne l’honore guère… Au même moment, l’agence de communication du musée lance une campagne surprenante pour The Square : l’accueil est totalement inattendu et plonge Christian dans une crise existentielle.
The Square est un film où l’ascenseur émotionnel fonctionne à merveille. On rit beaucoup, surtout dans toute la première moitié de l’histoire. Du rire généralement de situations, souvent grotesques, faites aussi de non dits qui parlent vrai, qui nous laissent comprendre des choses sans forcément avoir besoin de les prononcer. Et puis c’est le silence qui s’installe dans la salle obscure… silence profond face à un homme qui sombre dans une forme de chaos symbolisé admirablement dans cette scène où il se retrouve sous une pluie battante sur des poubelles qu’il éventre laissant les déchets et autres détritus se rependre autour de lui, dans l’espoir de retrouver quelques mots sur une feuille de papier. Et les sourires reviennent mais la tension monte encore avec cette scène ubuesque de réception où cet artiste entre dans la peau d’un homme préhistorique sans sembler pouvoir en sortir effrayant l’une ou l’autre et développant un malaise qui se répand jusque dans nos rangs, et provoquant la colère et la violence.
Des sentiments qui s’extériorisent quitte à en perdre même ses valeurs premières, son intégrité. C’est finalement l’un des enjeux intenses que révèle le scénario. Comment ce qui semble construire l’humain et une société sereine et bienveillante peut exploser facilement provoquant toutes sortes de réactions en chaine ?… mensonge, agressions, cris, stigmatisation, coups… pertes de repères pour laisser la liberté s’exprimer mais juste pour faire le buzz… une critique finalement assez acerbe d’une société lissée et bien-pensante mais pourtant fragile et prête à exploser comme une enfant mendiante dans un carré.
Et puis il y a l’art au cœur de l’histoire. Contemporain qui plus est, avec tout ce qui peut sembler de non sens ou d’arnaque… Ce « grand n’importe quoi » qui peut malgré tout émouvoir, surprendre, interpeller. Que l’on cherche à tout prix à expliquer alors que justement il n’y a pas forcément à comprendre mais juste se laisser toucher.
Des sujets qui forcément irritent naturellement certains journalistes qui n’aiment pas trop que le cinéma nous fasse réfléchir sur nos écueils et nos faiblesses. Un film qui de toute façon ne laisse pas indifférent et provoquera des clivages d’opinion. Il y a sans doute du Toni Erdmann dans The Square qui pour les uns méritera une palme et pour d’autre même pas la moindre étoile… De mon côté, je n’hésite pas. J’ai beaucoup aimé et j’espère qu’il vous séduira vous aussi et nous donnera à tous de réfléchir sur nous-même.
Retour de Todd Haynes sur la Croisette, après Carol en 2015 (qui avait d’ailleurs permis à Rooney Mara de recevoir à Cannes le prix de la meilleure interprète féminine) et avec Wonderstuck, un magnifique conte original et métaphorique.
Sur deux époques distinctes, les parcours de Ben et Rose. Ces deux enfants souhaitent secrètement que leur vie soit différente ; Ben rêve du père qu’il n’a jamais connu, tandis que Rose, isolée par sa surdité, se passionne pour la carrière d’une mystérieuse actrice. Lorsque Ben découvre dans les affaires de sa mère l’indice qui pourrait le conduire à son père et que Rose apprend que son idole sera bientôt sur scène, les deux enfants se lancent dans une quête à la symétrie fascinante qui va les mener à New York.
Pour l’ouverture du Festival, les fantômes d’Ismaël avait pu dérouter le spectateur. Aujourd’hui, dans la compétition cette fois-ci, ce sentiment sera sans doute encore partagé par certains. Todd Haynes ne nous propose pas un film académique tant dans sa construction et dans sa forme que dans l’histoire et ce que l’on peut en faire. La narration nous entraine très vite dans deux récits à la fois loin l’un de l’autre, notamment par l’époque et par le choix stratégique de les présenter en noir et blanc pour le premier et en couleur pour le second, et assez proches dans de nombreuse similitudes ou parallèles. Et puis, Wonderstruck est tout sauf bavard. Peut-être un peu long parfois, mais surtout avec très peu de dialogues privilégiant la musique remarquable et parfois funky aux paroles excessives et pesantes. Une volonté du réalisateur qui colle avec l’une des thématiques de son histoire, la surdité, et au travers d’elle le défi d’arriver à donner à voir le silence.
Conte métaphorique que ce Wonderstruck, adapté d’un roman de Brian Selznick (qui signe d’ailleurs le scénario du film), où l’on parle de descendance, de cauchemars, de secrets, du manque d’un parent absent, mais aussi de destin et d’amitié. Et tout cela se fait avec le talent immense d’un Todd Haynes qui me régale une fois de plus.
Alors pour conclure, comme je le tweetais à la sortie de la séance :
Un vrai bonheur ce nouveau Todd Haynes. Car Wonderstruck est beau, délicieusement artistique, touchant et imprégné d’un sens profond !
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